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Leonardo da Vinci o maior gênio da História

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O Homem Vitruviano é um desenho famoso que acompanhava as notas que Leonardo da Vinci fez ao redor do ano 1490 num dos seus diários. Descreve uma figura masculina desnuda separadamente e simultaneamente em duas posições sobrepostas com os braços inscritos num círculo e num quadrado. A cabeça é calculada como sendo um oitavo da altura total. Às vezes, o desenho e o texto são chamados de Cânone das Proporções.

O desenho actualmente faz parte da colecção/coleção da Gallerie dell'Accademia (Galeria da Academia) em Veneza, Itália.

Examinando o desenho, pode ser notado que a combinação das posições dos braços e pernas formam quatro posturas diferentes. As posições com os braços em cruz e os pés são inscritas juntas no quadrado. Por outro lado, a posição superior dos braços e das pernas é inscrita no círculo. Isto ilustra o princípio que na mudança entre as duas posições, o centro aparente da figura parece se mover, mas de fato o umbigo da figura, que é o verdadeiro centro de gravidade, permanece imóvel.

O Homem Vitruviano é baseado numa famosa passagem do arquitecto/arquiteto romano Marcus Vitruvius Pollio na sua série de dez livros intitulados de De Architectura, um tratado de arquitetura em que, no terceiro livro, ele descreve as proporções do corpo humano:

Um palmo é a largura de quatro dedos;
Um pé é a largura de quatro palmos;
Um antebraço ou cúbito é a largura de seis palmos;
A altura de um homem é quatro antebraços (24 palmos);
Um passo é quatro antebraços;
A longitude dos braços estendidos de um homem é igual à altura dele;
A distância entre o nascimento do cabelo e o queixo é um décimo da altura de um homem;
A distância do topo da cabeça para o fundo do queixo é um oitavo da altura de um homem;
A distância do nascimento do cabelo para o topo do peito é um sétimo da altura de um homem;
A distância do topo da cabeça para os mamilos é um quarto da altura de um homem;
A largura máxima dos ombros é um quarto da altura de um homem;
A distância do cotovelo para o fim da mão é um quinto da altura de um homem;
A distância do cotovelo para a axila é um oitavo da altura de um homem;
A longitude da mão é um décimo da altura de um homem;
A distância do fundo do queixo para o nariz é um terço da longitude da face;
A distância do nascimento do cabelo para as sobrancelhas é um terço da longitude da face;
A altura da orelha é um terço da longitude da face.
Vitrúvio já havia tentado encaixar as proporções do corpo humano dentro da figura de um quadrado e um círculo, mas suas tentativas ficaram imperfeitas. Foi apenas com Leonardo que o encaixe saiu corretamente perfeito dentro dos padrões matemáticos esperados.

O redescobrimento das proporções matemáticas do corpo humano no século XV por Leonardo e os outros é considerado uma das grandes realizações que conduzem ao Renascimento italiano.

O desenho também é considerado freqüentemente como um símbolo da simetria básica do corpo humano e, para extensão, para o universo como um todo. É interessante observar que a área total do círculo é identica 'a área total do quadrado e este desenho pode ser considerado um algoritmo matemático para calcular o valor do número irracional phi (=1,618).
 
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Madona Litta é uma pintura atribuída por muitos investigadores a Leonardo da Vinci, enquanto outros pensam que pode ter sido pintado por um de seus seguidores como professor. De seguro, esta obra foi pintado em Milão.

A pintura representa a Madona enquanto está alimentando a Criança.

Se encontra atualmente no Museu Hermitage em São Petersburgo.
 
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La Belle Ferronnière é uma pintura a óleo de Leonardo Da Vinci, o tema foi pintado sobre um painel de 63 x 45 cm. Realizado entre 1490 e 1495. Não se sabe quem é a modelo retratada por Leonardo mas, segundo a tradição seria ela Isabella d'Este (há quem afirme que esta é a modelo do quadro Mona Lisa também seja esta, daí a semelhança de ambos os quadros), outros afirmam que se trata de Cecilia Gallerani, retratada como: Dama com Arminho entre 1483-1490. Atualmente a pintura Encontra-se no Museu do Louvre .
 
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A Última Ceia (em italiano L'Ultima Cena e também Il Cenacolo) é uma pintura de Leonardo da Vinci para de seu protetor, o Duque Lodovico Sforza. Representa para alguns, a cena da última ceia de Jesus com os apóstolos antes de ser preso e crucificado como descreve a Bíblia. É um dos maiores bens conhecido e estimado do mundo. Ao contrário de muitas outras valiosas pinturas, nunca foi possuída particularmente porque não pode ser removida do seu local de origem já que esta pintada sobre a parede do refeitorio do convento.
Última edição por Gilvan em 29 jan 2009 23:18, editado 1 vez no total.
 
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A Virgem das Rochas foi roubada de Florença durante as guerras napoleônicas e recuperada depois em uma pequena cidade na Áustria nos anos 50. Depois foi comprada por um comerciante francês antes de ser vendida para a Galeria Nacional em Londres, Inglaterra no século XIX.

A Virgem das Rochas é, indiscutivelmente, um quadro carregado de significações herméticas; embora não simbólicas, porque o símbolo manifesta, embora seja de modo transferido, enquanto que Leonardo quer que os significados permaneçam escuros, na sombra, e que só as formas sejam visíveis. A caverna era um motivo que fascinava Leonardo, como se deduz de várias passagens de seus escritos. E lhe fascinava do ponto de vista científico ou geológico, mas, sobre tudo, como interior da terra, como natureza subterrânea ou sub-natureza. Possivelmente os gelos longínquos aludem ao remoto passado do mundo, a uma extinta Pré-História que termina com o nascimento de Cristo, quando a natureza e a história se abrem e iluminam e o mistério inescrutável do real se converte em um segredo que a investigação humana pode chegar a descobrir. As paredes e as abóbadas da cova se abrem, e pelas fendas penetrando a luz terminando assim a era da vida subterrânea e começando enfim a era da experiência.
Última edição por Gilvan em 29 jan 2009 23:21, editado 1 vez no total.
 
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A Virgem, o Menino, Sant’Ana e São João Batista, chamado às vezes de cartão da casa de Burlington, é um desenho de Leonardo da Vinci, encontrado em uma das folhas dos diários que escrevia enquanto vivo. É uma combinação de dois temas populares na pintura florentina do século XV: a Virgem (Maria), com o Menino (Jesus, o seu filho), e São João Batista (filho de Isabel, prima de Maria) com Santa Ana (mãe da Virgem). No desenho há um jogo sutil entre os olhares das quatro figuras, com Santa Ana que sorri para sua filha Maria, enquanto esta está com os olhos fixos em seu filho; Jesus, por sua vez, olha para João Batista. Há pouco na maneira do delineamento desobstruído entre os quatro corpos; as cabeças das duas mulheres, no detalhe, olham como crescimentos no mesmo corpo. O gesto enigmático de Sant’Ana de apontar seu dedo indicador para os céus retorna em dois das últimas pinturas de Leonardo: seu São João Batista e de seu Baco. O desenho foi feito a carvão de lenha e giz preto e branco, sobre oito folhas de papel juntamente coladas. Encontra-se atualmente exposto na Galeria Nacional de Londres.
Última edição por Gilvan em 29 jan 2009 23:25, editado 1 vez no total.
 
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Madona do Fuso era uma pintura a óleo de Leonardo da Vinci, infelizmente não existe mais, existem apenas cópias baseadas no original. O quadro foi pintado por este em seu retorno a Florença, em 1501. A obra fora realizada quase no mesmo período da Mona Lisa (por isso as paisagens quase semelhantes do plano de fundo de ambos os quadros).

O nome desta pintura é esse porque, em primeira vista o Menino Jesus segura uma cruz, mas se observarmos melhor e atentamente logo perceberemos que é um fuso de fiar. O fuso demonstra o espírito doméstico da Madona (Virgem Maria), mas também lembra uma cruz, símbolo de Jesus Cristo; o quadro possui muitas características da beleza observada por Leonardo.

Uma das cópias, bem sucedida, baseada na original, pertence a uma coleção particular em Nova York.
Última edição por Gilvan em 29 jan 2009 23:29, editado 1 vez no total.
 
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Por volta de 1503, Leonardo da Vinci recebeu a que talvez tenha sido a sua encomenda mais importante - pintar um enorme afresco na Sala del Gran Consiglio, um salão nobre no Palazzo Vecchio em Florença. A vitória dos florentinos sobre os milaneses na batalha de Anghiari foi o tema escolhido, no assunto idealmente adequado aos seus talentos. Há muito tempo ele queria pintar uma batalha.

O trabalho no cartão começou em outono de 1503, mas no afresco em si, pouco progresso foi feito. Quando ele começou a pintar, em 1505, experimentou uma nova técnica, mas os resultados foram desastrosos. O trabalho que tinha sido terminado resistiu um certo tempo, mas acabou repintado quando o Palazzo passou por uma grande restauração em 1565. O cartão se perdeu, mas os esboços preliminares a bico de pena ainda existem.

Leonardo descreveu extensamente os detalhes que desejava incluir e as emoções que queria transmitir. Ele menciona poeira, terra e fumaça, o terror e a agonia da morte. Mesmo os esboços transmitem vividamente a confusão e o medo da batalha. Leonardo desenhou muitas das suas formas contorcidas preferidas e figuras sobrepostas para planejar a composição. Trabalhou nas formas individuais dos guerreiros. Durante muitos anos, ele sustentou que cabeça e tórax não deveriam estar voltados para a mesma direção, e os soldados em ação eram uma ótima oportunidade de transmitir a tensão dramática desta maneira.

Ele também desenhou esboços de grupos - cavalos e guerreiros, os vivos e os mortos, e os vitoriosos e os derrotados.
 
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Cabeça de mulher (La Scapigliata) é uma pintura de Leonardo da Vinci, que apesar de inacabada, mostra a grande beleza feminina observada e admirada por Leonardo.O quadro é uma pintura esboço, do rosto de Leda no quadro Leda e o Cisne. O quadro atualmente se encontra na Galleria Nazionale, Parma.
Última edição por Gilvan em 29 jan 2009 23:35, editado 1 vez no total.
 
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A Virgem e o Menino com Santa Ana, óleo sobre madeira (168 cm x 112 cm), é obra de Leonardo da Vinci, pintada em Milão entre 1508 e 1513. Leonardo nunca finalizou este painel.

Leonardo havia conquistado total maestria ao modelar o rosto humano. A Virgem e Santa Ana, nesta pintura têm as mesmas características que as mulheres que ele já havia pintado. Os rostos são calmos e serenos. A paisagem é parecida com a do quadro Mona Lisa.